71a Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, Lido di Venezia, Italia 28 agosto - 6 settembre 2014 A cura di Rossella Valdrè ed Elisabetta Marchiori, Società Psicoanalitica Italiana Traduzione in inglese di: Flora Capostagno Leggi dentro Italiano

"L'arte è sovversiva perché è collegata all'inconscio.
Più un film è connesso all'inconscio, più è sovversivo. Come sono i sogni ".
(David Cronenberg)

Per il secondo anno consecutivo, gli psicoanalisti della Società Psicoanalitica Italiana (Rossella Valdrè, Elisabetta Marchiori e Massimo De Mari), accomunati dalla passione per il cinema e la psicoanalisi, hanno partecipato alla 71esima edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, evento culturale di risonanza mondiale , inviando quotidianamente un commento "live" sui film visti - con le loro impressioni e sensazioni sull'atmosfera generale - al sito web della nostra Società (www.spiweb.it ).

Va ricordato che il cinema e la psicoanalisi sembrano condividere un destino inscindibile: sono nati insieme alla fine del secolo scorso. Da allora la magia del cinema, la sua capacità di ritrarre il sogno e il mondo interiore degli umani, sono stati oggetto di particolare interesse per la psicoanalisi. L'uno alimenta l'altro: siamo d'accordo con Cronenberg nell'affermare che il cinema, in quanto psicoanalisi, è per sua natura un “atto sovversivo”. Slegata dal buon senso, è legata al sogno: deve rappresentare la realtà, ma anche trasfigurarla, renderla speciale e poetica attraverso la narrazione personale del regista, il volto specifico dell'attore. Aggiungo che essendo stata ad altri festival cinematografici, da sempre eccellenti, questa magica atmosfera è sottolineata dall'unicità del Lido di Venezia, isola sospesa nella laguna. Una posizione “in limbo” che sembra consentire alle immagini un più facile accesso all'inconscio.

Passiamo al Festival di quest'anno. Per la prima volta il presidente della giuria è un musicista, Alexandre Desplat, compositore di colonne sonore francese di fama internazionale, che ha concluso il discorso dei suoi premi con la più francese delle espressioni: Vive la musique! Vive le cinéma!

Come sempre il calendario è ricco e variegato, offrendo uno scenario delle arti cinematografiche di tutto il mondo: sono stati presentati cinquantacinque film, di cui venti in concorso, più quattordici cortometraggi e diciannove classici restaurati (di cui il Premio va a Una giornata particolare di Ettore Scola, Oscar 1978 per il miglior regista e il miglior attore). Questi ultimi sono più che un semplice omaggio al passato: un serio contributo al salvataggio di capolavori minacciati dall'oblio, non dissimile dal restauro del rimosso operato dalla psicoanalisi.

Impossibile elencare tutti i film recensiti e mi limiterò al film di apertura, l'apprezzatissimo Birdman di Alejandro G. Iñárritu, interpretato da Michael Keaton; tra la decina di film italiani in concorso e fuori concorso, Hungry Hearts di Saverio Costanzo, con i suoi attori Alba Rohrwacher e Adam Driver che ricevono la Coppa Volpi come migliori attori, la saga dark family di Anime Nere. Poi i toccanti omaggi biografici a due illustri nomi della letteratura e della poesia italiana, Pasolini di Abel Ferrara e il Giacomo Leopardi de Il giovane favoloso di Mario Martone. Un affresco dell'intera gamma delle emozioni umane e quindi profondamente vicino alla visione psicoanalitica: Hungry Heart e poi uno della storia con lo splendido The look of silence di Joshua Oppenheimer, che smaschera il sottovalutato genocidio indonesiano e vince il Gran Premio della Giuria (in le emozionanti parole di Tim Robbins, “un vero capolavoro”); il malessere della famiglia contemporanea e dei nostri figli che mostrano la loro alienazione (I nostri ragazzi); realtà sociopolitiche distintive (dal Sud Italia in Anime Nere, Belluscone ai numerosi film orientali premiati); le storie di bambini e adolescenti (Terre battue, Le dernier coup de marteau, Sivas, Nessuno è figlio, Theeb); l'universo economico globalizzato senza scrupoli (99 Hommes), la nostalgia irriducibile del dramma israelo-palestinese (Villa Touma, un'interpretazione tutta al femminile) o della solitudine (Manglehorn).

Seri e di alta qualità sono gli aggettivi che contraddistinguono la selezione di film di quest'anno: tutti, come ha sottolineato Alexandre Desplat, scelti tra opere che abbracciano impegno politico e sociale, umanesimo e poesia.

Umanesimo e poesia. “Il cinema attiva il bambino dentro di noi”, come ha detto Saverio Costanzo. Forse il Leone d'oro allo svedese Roy Andersson, Un piccione seduto su un ramo riflettendo sull'esistenza, così come il Leone d'argento al russo Končaloski per Le notti bianche del postino rifletteva il desiderio di privilegiare l'anima poetica del cinema, le sue mitiche qualità fiabesche, così come per evidenziare il dramma e la miseria dell'umanità. Anche nella rappresentazione più fedele della realtà, il cinema non è mai una semplice riproduzione: è la figura poetica dell'autore che traspone la realtà in arte.

Ci tengo a sottolineare l'originalità dell'iniziativa, anche il Tribeca Film Festival, supportata dalla Redazione di SPIWEB e coordinata da PR Goisis, responsabile area cinema.  http://www.spiweb.it/index.php?option=com_content&view=categories&id=380&Itemid=449

Si tratta di una copertura in stile reporter il cui contenuto psicoanalitico, è lontano dalle pedanze da poltrona e nell'anima vivente del cinema, assumendo con tutto il cuore il lato effimero dello spettacolo, l'emozione e il divertimento della competizione, con il suo aspetto discutibilmente regressivo (ma il cinema non ha mai un vantaggio regressivo?). Poi, dopo il trambusto, l'analisi.

Con la chiusura del Festival, come avviene al termine di un percorso analitico, ogni film si farà strada, avrà una sua vita, in parte imprevedibile. Come se il paziente fosse "dimenticato" dal suo analista e lasciato andare nel mondo.


Vincitore del Leone d'Oro al Festival Internazionale del Cinema di Venezia: un piccione seduto su un ramo riflettendo sull'esistenza

Rossella Valdre

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"In qualche modo sembra riempirmi la testa di idee ...
solo che non so esattamente cosa siano "
(Lewis Carroll)

Il vincitore del Leone d'Oro per il miglior film alla 71. Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia è Un piccione seduto su un ramo che riflette sull'esistenza, parte finale della trilogia del regista svedese Roy Andersson "sull'essere umano", che include Songs from the second floor (2000) e You, the living (2007). Ricevendo il premio Andersson ha detto: "Sono molto commosso, il motivo per cui sono diventato regista è il mio amore per il cinema italiano", citando Ladri di biciclette di De Sica. Ha aggiunto: "Voi italiani avete buon gusto", anche se c'è il rischio che gli italiani non vedano mai il suo film al cinema locale, visto che per ora non è prevista la distribuzione. Questa è una specie di ironia, in sintonia con il desolante senso di frustrazione che attraversa i riflessi del "piccione".

Il film è composto da trentanove inquadrature statiche, unico impercettibile movimento della telecamera, commentato da intertitoli. Trentanove finestre sulla condizione umana. Trentanove quadri meravigliosamente incorniciati, da cui emana una luce livida che colpisce il pubblico con la nitidezza dei suoi profili, la perfezione con cui sono delineate le figure, il fondale. Ogni dettaglio è una necessità, ogni movimento dei personaggi ha un senso, ogni riga pronunciata contiene strati di messaggi diretti e indiretti che coinvolgono il pubblico a livello conscio e inconscio. Ogni scena è contemporaneamente di cruda e crudele realtà e, allo stesso tempo, è astrazione e metafora. Ogni scatto è saturo di humoir noir, che costringe a ridere a denti stretti.

La prima scena, che ispira il titolo, parla di un uomo che fissa sbalordito un piccione impagliato nella vetrina di un polveroso museo di storia naturale, mentre sua moglie lo aspetta perplessa. In seguito: un uomo muore di infarto mentre cerca di aprire una bottiglia di vino; zoppicando Lotta di Gothenburg canta, sulle note di Glory, Glory, Hallelujah, della grappa servita in cambio di baci; in un bar alla periferia di qualche paese fuori mano, il re Carlo XII entra a cavallo con i suoi soldati in cammino per combattere i russi e vuole portare il giovane cameriere nella sua tenda; soldati del passato costringono un gruppo di indigeni all'interno di un grande recipiente e procedono ad arrostirli; una lezione di flamenco con l'insegnante che molesta un giovane studente maschio. Questi e altri sono i personaggi che si susseguono, andirivieni, talvolta preceduti da intertitoli, nelle brevi scene di natura teatrale.

Le figure più emblematiche, che ritornano e danno continuità a questi frammenti di mondo apparentemente sconnessi, sono due venditori del "settore spettacolo". Sembrano trasandati, grigi, imperturbabili con facce cineree e inespressive che cercano di vendere ad acquirenti improbabili "zanne di vampiro che canini extra-lunghi; la classica borsa ridente; e un nuovo prodotto in cui crediamo davvero, una maschera di zio con una sola dente". Un'altra caratteristica ricorrente è la frase pronunciata al telefono da uno o l'altro dei personaggi: "Sono felice di sentire che stai andando bene. Sì, ho detto, sono felice di sentire che stai bene". L'interlocutore è il pubblico. Siamo quelli che chiedono: "Scusa, cosa hai detto?", E sentiamo la risposta: "Sì, ho detto, sono felice di sentire che stai bene". Intorno c'è la desolazione più totale.

Andersson cita così il cabaret espressionista tedesco, Brecht, Beckett, Valentin, Buñuel, i dipinti di Hopper e Bruegel, la fotografia di Olaf e li rifonde in una forma cinematografica originale e rigorosa.

Durante la proiezione mi sono sentita come Alice attraverso lo specchio (Attraverso lo specchio e ciò che Alice ha trovato lì, Lewis Carroll, 1872), dove tutto è familiare e, allo stesso tempo, capovolto e all'indietro. In seguito ho pensato che questa associazione non fosse così inverosimile. Carroll era un genio delle sciocchezze e questo lavoro è stato descritto come "una bibbia dell'assurdo", "una saga dell'inconscio", con una quantità di simboli estremamente attraenti, forse troppo attraenti, per lo psicoanalista, come in questo film. Il suo merito più grande è quello di lasciarci entrare nel gioco creativo (Winnicott, 1971), in cui la realtà (interna ed esterna) è una produzione congiunta dell'artista e del pubblico, come dovrebbe accadere nella 'scenografia' analitica. Una produzione che non finisce mai di sorprendere, come nella "doppia visione apparenza / realtà caratteristica dell'ironia" (Sacerdoti, 1987), di cui il film è impregnato.

Elisabetta Marchiori